"Omen" reexamina el archivo fotográfico de la Farm Security Administration, revelando un relato menos conocido que cuestiona las perspectivas tradicionales de la historia estadounidense.

La secuencia visual de este libro desafía las normas al recortar de manera creativa imágenes de los archivos de la Farm Security Administration (1935-1944) de la Biblioteca Pública de Nueva York.

Lucy Ives, la aclamada escritora y poetisa estadounidense, ha escrito con maestría el cautivador texto de Omen. Ives se ha consolidado como una de las principales voces del mundo literario contemporáneo, con numerosas publicaciones aclamadas por la crítica.

Persiguiendo al fantasma, las huellas del olvido y los ecos de lo que fue y ya no es, Omen representa una es una revisión y recontextualización de una parte del archivo fotográfico de la Farm Security Administration (1935-1944) alojado en la Biblioteca Pública de Nueva York. Este programa destacó como uno de los hitos de la fotografía documental moderna y desempeñó un papel fundamental en la construcción de una narrativa hegemónica —principalmente en torno al triunfo contra la adversidad, la división y la catástrofe— de la historia reciente de los Estados Unidos y su orden social. Pero enfatizando la mirada sobre ese monumental conjunto de imágenes y explorando las esquinas de los cuadros, los fondos y los detalles—en los personajes secundarios, en lo que no debería estar, en lo que aparece por casualidad, accidente o error—es posible descubrir una narrativa diferente: una más espesa, turbia, turbulenta, compleja, contemporánea y contradictoria. Como un estallido y un ápice: una premonición de la continuidad genealógica de las múltiples violencias sistémicas, tumultuosas, visibles e invisibles, atronadoras y silenciosas que dan forma al rostro de la sociedad estadounidense.

El libro funciona simultáneamente como un reflejo de la angustiosa realidad de los Estados Unidos en nuestros días y como un instrumento de reflexión sobre la forma en que se interpreta y comprende la fotografía histórica y documental.

Descubra la perspectiva única del fotógrafo español David Jiménez. Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas, como la Fundación MAPFRE, el Centro de Arte CA2M y la Colección de Arte DKV.

Sea testigo de la superposición del pasado histórico con los efectos de la erosión material y experimente la coexistencia de diferentes escalas temporales.

En el proyecto ROMA se hace visible el poder transformador del tiempo y su capacidad para generar nuevos significados, evocados a través de formas fragmentadas e incompletas que crean un espacio ficticio de naturaleza combinatoria. La huella del pasado histórico se superpone al trabajo de erosión material, transportándolo a un espacio más ligado a la memoria emocional que a las referencias culturales.

Proyecto realizado en el marco de la beca MAEC-AECID en la Real Academia de España en Roma (2016-17).

Otros fotolibros de David Jiménez: UNIVERSOS (2019), INFINITO (2018), VERSUS (2014).

Fotografías de la Revolución de los Claveles seis meses después de la revolución tomadas por el fotógrafo Jean Marie del Moral, un viaje por Lisboa y el Alentejo.

Fotografías de la Revolución de los Claveles seis meses después de la revolución tomadas por el fotógrafo Jean Marie del Moral, un viaje por Lisboa y el Alentejo.

"I Imagined It Empty" offers readers a deeply moving and introspective exploration of life, loss, and the enduring connections we forge with the spaces we inhabit.

Immerse yourself in an emotional journey inspired by the author's personal experiences and the last photographs taken of her mother, capturing the beauty that emerged in her final days of life.

Explore poetic and nostalgic imagery that subtly conveys the notion that our homes hold the spirits of those who lived in them, filling the space with memories beyond the physical presence.

A beautiful, original design by one of the best photobook designers in the world today.

I imagined It Empty was inspired by several pictures the author had taken of her mother in 2017, briefly before she passed away. "My mother rarely let me photograph her except in the last week of her life when she changed her mind. Each day as she approached her death, she became more beautiful."

The book is a silent and moving contemplation of life beyond life and the desire to find solace and presence within the walls of the place that we choose to call home. The loss of dear ones is reflected in the sense of belonging to a place, a house full of history, which also carries on the life of others. “I know that I will not live in this house forever. The house will hopefully outlive me, but I wonder if a part of me will outlive the house.”

El boom de los 60 fue un momento clave para la fotografía de moda, con el inicio de las supermodelos y la llegada de la sensacional y radicalmente diferente Twiggy.El artista y restaurador Antoni Miralda presenta por primera vez su fotografía de moda de los años sesenta de París y Londres en un impactante volumen. Antoni Miralda, nos sorprende con su avanzada obra fotográfica, con referencias al Land Art y a la Escuela de Fotografía deDusseldorf.

La fotografía de moda ocupa un lugar desconocido, pero importante, en la carrera de Antoni Miralda. Este libro nos permite comprender lo influyente que fue su obra en aquella época. Tras instalarse en París, el artista comenzó a colaborar regularmente con la revista ELLE entre 1964 y 1971, trabajando en colecciones contemporáneas de temporada vinculadas al mundo del arte.

La mayoría de las imágenes de la época mostraban a modelos en estudios, mientras que Miralda sacaba a estas modelos a la calle. Frente al Gran París de Haussmann, de museos e imponentes catedrales, Miralda prefiere los puntos ciegos del urbanismo historicista; lugares populares, sin clichés, con una gran densidad humana.

Moda sin Flash, con su diseño contemporáneo y sus referencias a revistas y archivos de moda, presenta por primera vez una visión detallada de la obra por descubrir de uno de los artistas más versátiles e icónicos del siglo XX.

El boom de los 60 fue un momento clave para la fotografía de moda, con el inicio de las supermodelos y la llegada de la sensacional y radicalmente diferente Twiggy.El artista y restaurador Antoni Miralda presenta por primera vez su fotografía de moda de los años sesenta de París y Londres en un impactante volumen. Antoni Miralda, nos sorprende con su avanzada obra fotográfica, con referencias al Land Art y a la Escuela de Fotografía deDusseldorf.

La fotografía de moda ocupa un lugar desconocido, pero importante, en la carrera de Antoni Miralda. Este libro nos permite comprender lo influyente que fue su obra en aquella época. Tras instalarse en París, el artista comenzó a colaborar regularmente con la revista ELLE entre 1964 y 1971, trabajando en colecciones contemporáneas de temporada vinculadas al mundo del arte.

La mayoría de las imágenes de la época mostraban a modelos en estudios, mientras que Miralda sacaba a estas modelos a la calle. Frente al Gran París de Haussmann, de museos e imponentes catedrales, Miralda prefiere los puntos ciegos del urbanismo historicista; lugares populares, sin clichés, con una gran densidad humana.

Moda sin Flash, con su diseño contemporáneo y sus referencias a revistas y archivos de moda, presenta por primera vez una visión detallada de la obra por descubrir de uno de los artistas más versátiles e icónicos del siglo XX.

El término cimarrón fue usado en la América colonial para nombrar a los esclavos que escapaban de su cautiverio. Esclavos africanos fugitivos que llevaban una vida de libertad, en rincones apartados y que consiguieron establecer sus propias comunidades, o se unieron a los pueblos indígenas forjando nuevas identidades.
"Cimarrón" incluye una serie de retratos fotográficos de los descendientes de aquellas personas, ataviados con máscaras y atuendos que mantienen viva la historia y la memoria de sus ancestros, dando testimonio de esas tradiciones. Las fotografías se complementan con textos de antropólogos especialistas para ofrecer un contexto etnográfico e histórico que el poder de la globalización está amenazando.

El artista Nicolás Combarro utiliza la fotografía para capturar las intervenciones que realiza en espacios arquitectónicos singulares. A través de diversas prácticas artísticas (pintura, escultura, instalación), estos lugares se modifican para generar nuevos espacios, que el artista luego documenta en grandes formatos fotográficos, lo que permite al espectador apropiarse del espacio inicial.

En todo el mundo los amantes de la fotografía reciben con elogios el trabajo de Saul Leiter, objeto hoy de gran reconocimiento tras algunos años de relativo eclipse en la década de los ochenta. Magníficamente producido, este volumen recoge dos centenares de obras ?desde fotografías de calle e ilustraciones de moda hasta desnudos o pinturas? que cubren toda la carrera de Leiter a partir de los años cuarenta. Las imágenes van acompañadas de citas del propio artista que dan pistas de su particular visión del mundo.